Literarische Genres

Literarische Genres – Alle Genres

Das Erzählgenre, das aus der Entwicklung des epischen Genres hervorgegangen ist, ist eines der wichtigsten überhaupt. Heute kommt es vor allem in Romanen, Erzählungen, Romanen und Chroniken vor.

Sein Charakteristikum besteht darin, eine Geschichte, eine Abfolge von Fakten mit den folgenden Elementen darzustellen: Charakter, Umgebung, Handlung, Zeit.

Der Charakter

Der Charakter entspricht nicht der Realität. Es ist eine Fiktion, ein Produkt der Fantasie des Autors, obwohl es gerade deshalb einer realen Person ähneln kann.

Es ist üblich, dass der Charakter andere Aspekte annimmt, wie zum Beispiel:

• Ein Tier, eine Pflanze oder sogar ein unbelebtes Wesen;
• Eine Gruppe von Menschen, Tieren, unbelebten Wesen, wenn man sie als kollektiven Charakter bezeichnet.

Zwei grundlegende Merkmale kennzeichnen die Charaktere:

• Körperliche Aspekte, die offensichtlicher sind, da sie sich auf Größe, Gewicht, Hautfarbe usw. beziehen;
• Psychologische, deren Verständnis mehr Aufmerksamkeit vom Leser erfordert, da es sich um Ideen, Gefühle, Emotionen, Erinnerungen usw. handelt.

Figuren:

• Einzelpersonen: Themistokles, der Präfekt usw.
• Kollektive: die beiden Teams, die beiden Städte usw.

Nicht jeder hat die gleiche Bedeutung. Daher haben einige keinen Namen, während andere besser charakterisiert sind.

Physikalische Eigenschaften:

• Themistokles: er trat mit beiden Beinen, war stark wie ein Stier usw.;
• Kolossal: er war Kreole.

Psychologische Merkmale:

• Themistokles: mutig, beruflich instabil, verführerisch usw.;
• Betinho: unerfahren. Die Umwelt

Die Umgebung

Es besteht aus dem Raum, in dem die erzählten Handlungen stattfinden. Zwei Aspekte sind wichtig:

Das körperliche

Es wird durch die Orte integriert, an denen die erzählten Handlungen stattfinden: Land oder Stadt; Landstadt oder Metropole usw.; öffentliche oder private Orte: die Straße, der Fußballplatz, die Bar, der Platz usw.

Das Kulturelle

Gegründet durch die sozialen Institutionen, die im Spiel sind, sei es in den Charakteren oder durch die Handlung, wie z. B. Handlungs- und Reaktionsweisen, Einzelpersonen oder Gruppen, Bräuche, Gewohnheiten, Arbeits- oder Freizeitinstrumente usw.

Im gelesenen Text steht zum Beispiel:

• Zwei Ebenen des physischen Raums: erstens eine Stadt im Landesinneren Brasiliens; Zweitens ein Rathausstandort.
• Zu den Merkmalen des Kulturraums: Vorliebe für Fußball, Rivalität zwischen Städten, Bestechung von Spielern, Idealisierung von Fußballspielern, Entstehung von Legenden und durch Themistokles geweckte Leidenschaften usw.

Die Handlung

Die Handlung kann als eine Reihe von Ereignissen verstanden werden, an denen die Charaktere in einer bestimmten Umgebung während einer bestimmten Zeit teilnehmen.

Die folgenden wesentlichen Bestandteile der Handlung sind in der Reihenfolge aufgeführt, in der sie dargestellt werden:

• Der Streit zwischen zwei Städten wegen Fußball;
• Die Bestechung des Mittelstürmers einer dieser Städte;
• Das Bedürfnis und die Suche nach einem Ersatz;
• Die Abreise eines Abgesandten, um den Stellvertreter zu kontaktieren;
• Die Erwartungen der Stadt und die Legenden über den Ersatz;
• Die Rückkehr des Abgesandten.

Die Zeit

In jeder Erzählung gibt es eine zeitliche Begrenzung für die Handlungen der Charaktere, oder anders ausgedrückt: Die Handlung hat eine anfängliche und eine letzte zeitliche Begrenzung. Es gibt Geschichten, die nur wenige Augenblicke dauern; andere, einen oder mehrere Tage. Es gibt Romane, die sich über Monate oder Jahre erstrecken.

Die Zeit kann chronologisch oder psychologisch sein.

Zeit ist chronologisch, wenn Ereignisse auf natürliche Weise in der zeitlichen Abfolge der physischen Welt geordnet sind, wie beispielsweise in der Geschichte des Themistokles.

Zeit ist in der Geschichte ein psychologischer Faktor, dessen Fakten nicht durch die Uhr oder den Kalender geordnet werden, sondern durch das Innenleben der Figur, um auszudrücken, was in ihr vorgeht, wie zum Beispiel Gedanken, Emotionen, Gefühle.

Die Ursprünge und Formen von Erzählungen

Ursprünglich wurden Erzählungen in Versform verfasst. Dies ist beim Epos und beim Erzählgedicht der Fall.

Das Epos war für die Verherrlichung der Nationalhelden und ihrer großen Taten verantwortlich. In feierlichen Versen verfasst, offenbarte es durch die Erzählung von Heldentaten Nationalismus, Heldentum und das Wunderbare. Dies sind wichtige epische Werke der westlichen Kultur:

• In Griechenland: Homers Ilias und Odyssee;
• In Rom: die Aeneis von Vergil;
• In Portugal: die Lusíadas von Camões.

Das Erzählgedicht war eine Verskomposition, die Charaktere enthielt und eine chronologische Abfolge von Fakten darstellte, mit einer viel kürzeren Länge als das Epos und ohne dessen Erhabenheit.

Der Wandel der kulturellen Muster zwischen dem 16. und 18. Jahrhundert führte zur Entwicklung der Genres. Das Epos weicht der Romantik.

Der Lyrismus

Das Wort Lyrik leitet sich von Lyra ab, da es sich ursprünglich auf Lieder bezieht, die von der Melodie dieses Musikinstruments begleitet werden. Anschließend begann man, den Text vorzulesen, statt ihn zu singen und zu vertonen.

Der lyrische Text ist ebenso wie die Erzählung Ausdruck des Individuums: Beide resultieren aus der Beziehung zwischen dem Menschen und der ihn umgebenden Realität. Im Falle des Individuums, wo die Beziehung zwischen dem Selbst und der Realität besteht, kommt einem von beiden immer größere Bedeutung und Gewicht zu.

In literarischen Texten, die einen solchen Zusammenhang zum Ausdruck bringen, führt das Ungleichgewicht zwischen den Elementen zu zwei Situationen:

• Objektivität: wenn der Ausdruck der Realität ein größeres Gewicht beimisst und dementsprechend dem Selbst einen geringeren Wert verleiht.

In diesem Fall sind die Wesen im übertragenen Sinne mit sich selbst identisch, wobei die denotative Sprache und die beschreibenden Aspekte der Außenwelt vorherrschen;

• Subjektivität: wenn der Ausdruck dem Selbst mehr Bedeutung beimisst als der Realität.

Hier dominiert das Innenleben des Selbst: seine Emotionen, seine Gefühle, seine Wünsche, seine Erinnerungen an die Vergangenheit.

Wenn wir Lyrik mit Erzählung vergleichen, haben wir:

• Lyrik: größere Subjektivität;
• Erzählung: größere Objektivität.

Das lyrische Genre ist eine authentische Rede aus dem Herzen, aus dem eigenen Ich, die als lyrisches Selbst bezeichnet wird. Daher ist die lyrische Komposition im Allgemeinen kurz und verwendet Verse, die sich fast immer an die Melodie orientieren und die Ressourcen der poetischen Sprache nutzen.

Obwohl das Wort Poesie in der Literatur praktisch gleichbedeutend mit Lyrik ist, da es sich auf persönliche Gefühle und Emotionen bezieht, ist es praktisch unmöglich zu definieren und kann ohne Verse und sogar außerhalb der literarischen Sprache vorkommen, beispielsweise in einem Film, in einem häuslichen Umfeld Szene oder in anderen Situationen.

Die Ursprünge und Formen der Lyrik

In der fernen Vergangenheit, in seinen griechischen Ursprüngen, gab es unzählige lyrische Formen, die danach klassifiziert wurden, ob sie kriegerische, politische, moralische oder liebevolle Gefühle zum Ausdruck brachten, oder danach, ob sie sowohl für den Einzelnen als auch für einen Chor gedacht waren.

Heutzutage verschwanden die Klassifizierungen tendenziell, und lyrische Kompositionen wurden allgemein als Gedichte bezeichnet.

Zu einigen, die länger blieben oder eine größere Bedeutung hatten, gehören:

Das Sonett – poetische Form mit 14 Versen, die in zwei Quartetten und zwei Terzetten vorgetragen werden. Es handelt sich um eine der schwierigsten Formen der Ausarbeitung, gerade weil sie einer exakten Methode folgt und große Syntheseanforderungen mit einem sehr strengen Reimschema erfordert;

• Die Ode – im Allgemeinen viel länger als das Sonett – enthielt verschiedene Arten von Gefühlen, einschließlich der Analyse von Konzepten, Gedanken und Reflexionen;
• die Ballade – ein Lied zum Tanzen, das sowohl erzählerische als auch lyrische Aspekte beinhaltet;
• die Elegie – im Allgemeinen auf Themen ausgerichtet, die eher mit Traurigkeit und Melancholie verbunden sind;
• das Lied – war in der Natur beliebt und entwickelte sich im Mittelalter.

Das Theater

Das grammatikalische Genre, heute einfach Theater, enthält literarische und nichtliterarische Elemente.

Das Theater verzichtet auf den Erzähler, da jede Figur für sich selbst spricht, da sie ein Eigenleben führt, was in der Erzählung nicht der Fall ist, in der der Erzähler die Figuren in gewisser Weise befehligt. Obwohl es in beiden Genres Ereignisse gibt, stellt das Theater sie dar, das heißt, es stellt die Anwesenden auf der Bühne oder in einem entsprechenden Raum vor die Augen, während die Erzählung sie indirekt – durch die Lektüre – der Vorstellungskraft des Lesers präsentiert des Betrachters.
Das literarische Element ist der Text. Die nicht-literarischen sind:

Der Schauplatz – der physische Raum, der entsprechend den Zielen des Textes dekoriert ist;
– die Charaktere – konkrete Figuren, die sich bewegen, die handeln, die Handlungen, die der Text beinhaltet, vergegenwärtigen und darstellen;

– direkte akustische und visuelle Kommunikation mit den Zuschauern.
Die Gesamtheit dieser Elemente wird heute als Show bezeichnet, obwohl nicht alle Shows Theater sind. Dazu bedarf es eines literarischen Grundtextes, also einer Fiktion in Worten.

Die Ursprünge und dramatischen Formen

Die Texte des dramatischen Genres und ihre griechisch-lateinischen Ursprünge waren:

Die Tragödie – war bei den Griechen die Bezeichnung für Darstellungen zu Ehren des Gottes Bacchus bzw. Dionysos. Wie ein Gelehrter erklärt: „Eine Tragödie ist ein endgültiges und beeindruckendes Unglück, das durch einen unvorhergesehenen oder unfreiwilligen Fehler verursacht wird und Menschen betrifft, die Respekt und Mitgefühl verdienen.“ Es impliziert normalerweise eine ironische Veränderung des Schicksals und vermittelt einen starken Eindruck der Leere. Meistens geht dies mit Unzufriedenheit und emotionalem Leid einher.“

Die Komödie – Anders als die Tragödie setzte sie kein ernstes Thema voraus. Es entstand ebenfalls aus den Bacchus-Kulten und beinhaltete leichte, lustige und sogar unhöfliche Themen.

Das Drama ist eine neuere Modalität und steht im Zusammenhang mit der gesellschaftlichen Entwicklung, die großen Wert auf historische und bürgerliche Themen legte. Es vereint Elemente, die bisher sowohl für Tragödien als auch für Komödien typisch waren. Daher enthält es ernste und komische Themen, die typisch für das gesellschaftliche Leben sind, wie Gewohnheiten und Bräuche, Überzeugungen und Vorurteile. Es nimmt oft kritische Formen an und betont soziale und politische Laster.

Troubadourismus

Der Troubadourismus ist die literarische Schule, die Ende des 19. Jahrhunderts in der Provence in Südfrankreich ihre Blütezeit erlebte. XI, dominierte die europäische Poesie bis zum 14. Jahrhundert.

Historisch-literarisches Panorama

Mit dem Ende des Weströmischen Reiches (476 n. Chr.) und den Barbareneinfällen, die Europa verwüsteten, begann das Mittelalter. Die Städte wurden entvölkert und die Bevölkerung flüchtete aufs Land, begann auf dem Gebiet großer ländlicher Besitztümer, sogenannter Lehen, zu leben und erlaubte die Ansiedlung bescheidener Menschen als Bedienstete auf ihren Ländereien, unter der Bedingung, dass sie bezahlte Dienste leisteten Steuern und gehorchte Ihnen, meine Herren. Diese boten ihnen im Gegenzug Schutz.

Schutz. In einer gewalttätigen Welt war das eine gute Sache, die jeder wollte. Die Feudalherren selbst organisierten sich, um ihre Widerstandsfähigkeit gegen Angriffe zu stärken. Die Art und Weise, wie sie dies fanden, wurde als Vasallenverhältnis bezeichnet, eine Art Bündnis, bei dem ein großer Feudalherr einen Teil seines Landes einem anderen Adligen überließ, damit dieser ein neues Lehen bilden konnte. Als Gegenleistung für das Geschenk schwor der Begünstigte dem Wohltäter Treue und versprach außerdem, sich ihm im Kampf anzuschließen. Der Herr, der das Lehen gewährte, wurde Lehnsherr genannt, der es empfing, Vasall.

Die gesellschaftliche Funktion der Aristokratie war militärischer Natur. Die Ausbildung junger Adliger konzentrierte sich hauptsächlich auf die Ausbildung von Rittern, also Kriegern auf Pferden. Ritter zu werden und dem Ritterorden beizutreten, war ein Privileg, das jeder Adlige anstrebte, insbesondere die Armen, also diejenigen, die kein Land hatten. In der Ausbildung des Ritters wurde das heroische Ideal, bestehend aus Ehre, Mut und Loyalität, vermittelt. Gleichzeitig fand eine Waffenausbildung statt. Aber wie alles im Mittelalter wurde das Ideal eines von der Religion unabhängigen Adels nicht erdacht. Der Ritter musste Frömmigkeit und Tugend zum Kern seines Verhaltens machen.

Die römische Kirche war die einflussreichste kulturelle Kraft des Mittelalters. Ihre Aufgabe war es, die Welt zu erklären und zu rechtfertigen, und sie tat dies durch den Theozentrismus. Gemäß dieser Ideologie gibt es eine perfekte und unveränderliche Ordnung im Universum und in der Gesellschaft, und diese perfekte und unveränderliche Ordnung im Universum und in der Gesellschaft, und diese Ordnung kommt von Gott, der das Zentrum von allem ist. Daher muss alles zu Ihm zurückkehren, was es rechtfertigt, spirituelle Güter über materielle zu stellen und christliche Werte zu pflegen.

Das ritterliche Ideal

Die mittelalterliche Literatur bringt den ritterlichen Geist, eine Mischung aus aristokratischen und religiösen Werten, lebendig zum Ausdruck, wie in Ritterromanen und Troubadour-Poesie zu sehen ist.

Die Ritterromane begründeten vor allem den ritterlichen epischen Geist. Dabei handelt es sich um erzählerische Prosakompositionen, die die Waffentaten beispielhafter Helden wie der Ritter der Tafelrunde von König Artus würdigen und Krieger und moralische Tugenden im Einklang mit dem asketischen Ideal des Christentums preisen.

Die provenzalische Troubadour-Dichtung wiederum war vor Dante und Petrarca der höchste Ausdruck der mittelalterlichen europäischen Lyrik.

Höfische Liebe

An den feudalen Höfen der Provence entwickelte sich eine hochentwickelte Kultur mit weltlicher Sensibilität, Achtsamkeit gegenüber der Natur und der sinnlichen Wertschätzung von Liebe und Frauen.

Die Liebe wurde nie als Mittelpunkt des Lebens behandelt, wie es in der Poesie der Troubadours und Minnesänger der Fall war. In dieser Poesie folgt das Liebesspiel einem komplizierten Regelwerk, das das Verhalten des Feudalhofs widerspiegelt. Deshalb sprechen wir zur Charakterisierung von höfischer Liebe. Unter diesen Regeln sticht die über den Knicks (Rücksichtnahme, Maßgefühl) hervor, die es nicht erlaubte, den Namen des Geliebten zu erwähnen, sobald die Frau verheiratet war. Diese ehebrecherische Liebe kollidiert mit der theozentrischen Moral.

Im Laufe der Zeit nahm der Frauenkult spirituellere Konturen an, bis zu dem Punkt, an dem das von ihr inspirierte Gefühl in Form platonischer Liebe sublimiert wurde. Der leidenschaftliche Trovsdor erweist der geliebten, unerreichbaren Dame die Treue. Liebevolles Vasallentum metaphorisiert das Vasallenverhältnis, das die hierarchischen Bindungen des feudalen Adels definiert.

Der Barock

Der Barock der Kunstgeschichte ist der Stil, der seit dem Ende des 20. Jahrhunderts präsent ist. XVI bis Mitte des Jahrhunderts. XVIII; Die charakteristischste Epoche ist jedoch das 19. Jahrhundert. XVII.

Die am weitesten verbreitete Hypothese, die den Namen dieser Kunstperiode rechtfertigt, ist, dass der Begriff „Barock“ von Broatki abgeleitet ist, einer Provinz in Indien, die 1510 von portugiesischen Kolonisatoren entdeckt wurde. Diese Kaufleute begannen, die Region Baroquia zu nennen, weil sie dort ernteten, in Hülle und Fülle, eine ganz besondere Art von Perlen; mit einer rauen Oberfläche, ziemlich unregelmäßig und mit einer Farbe, die weiße und dunkle Töne vermischt. Das seltsame und bizarre Aussehen dieser Perlen machte sie in Europa sehr begehrt.

Der Begriff wurde in die Kunst übernommen, weil der Barock eine Fülle von Details und Ornamenten privilegierte. In der Malerei wird es als die Kunst des Hell-Dunkels (Hell-Dunkel) bezeichnet. Das Vorherrschen geschwungener Linien mit einer starken Andeutung von Bewegung, die Erforschung neuer perspektivischer Effekte und unwirklicher Erscheinungen, mit vielen Filigrammen in der Verzierung (Blätter, Schnörkel, Arabesken) sind Elemente, die zusammenkommen, um die Eigenschaft einer solchen Identifikation zu verstärken.

Historisch-literarisches Panorama

Der Barock ist komplex und vielgestaltig und unterscheidet sich vom früheren Klassizismus durch seinen Überschwang an Fantasie und das Aufbrausen geschwungener und asymmetrischer Bilder. Der Barock überschreitet das Prinzip der universellen Harmonie auf der Suche nach den Klassikern und zeichnet sich durch Formenverzerrung und Instabilität aus.
Die Dynamik und das Ungleichgewicht, charakteristische Merkmale des Barock, spiegeln in gewisser Weise die Reaktionen der Kirche und der absolutistischen Monarchien auf den revolutionären Prozess der Renaissance und der Reformation wider. Das Epizentrum dieses ultrakonservativen Reaktionismus war das Spanien von Felipe II., das sich in den sechzig Jahren, in denen dieses Land Portugal dominierte (1580-1640), intensiv manifestierte.

Die Gegenoffensive der Kirche begann mit dem Konzil von Trient (1545-63), das starre Lehr- und Moralnormen wiederherstellte und die Inquisition mit ihren Praktiken der Verfolgung, Folter und anderen Feindseligkeiten gegenüber denen, die als „Herges“ galten, reaktivierte.

Um ihr Ansehen und ihre Macht wiederherzustellen, richtete die Kirche auch den Index Libri Improbi (1571) ein, der Werke auflistete, deren Lektüre Katholiken verboten war. Zusätzlich zu denen, die den reformistischen Gedanken von Martin Luther und Johannes Calvin verbreiteten, umfasste diese Liste die Werke von Niccolò Machiavelli, Nicolaus Copernicus, Galileo Galilei, Isaac Newton, Giordano Bruno und vielen anderen. So folgte auf eine Zeit faszinierender Offenheit eine Zeit des Obskurantismus und der Unterdrückung, bewaffnet von der Kirche und unterstützt von absoluten Monarchien.

Die 1540 als Speerspitze der Gegenreformation gegründete Gesellschaft Jesu übernahm die Kontrolle über die wichtigsten Schulen und Universitäten und zwang ihnen die Philosophie der mittelalterlichen Scholastik in ihrer thomistischen Strömung mit einer traditionelleren und kompromisslos dogmatischeren Linie auf.

Dieser herrische Autoritarismus der Kirche spiegelte sich in praktisch allen Formen der Barockkunst wider. Da die Religion wieder zu einem grundlegenden Element des individuellen und kollektiven Lebens geworden war, wurde der Barock in katholischen Ländern zur Kunst der Gegenreformation.

Existenzieller Dualismus

Der barocke Mensch hatte aufgrund der bereits erwähnten Umstände ein angespanntes Leben und wurde zu einem gespaltenen und ängstlichen Wesen. Dieses erstickende Gefühl rührt von den antagonistischen Zwängen her, denen er ausgesetzt war: Einerseits wurde er von der Gegenreformation in die Enge getrieben; andererseits wollte er die libertäre Perspektive bewahren, die ihm die Renaissance offenbart hatte.
In die Enge getrieben, was haben Sie getan, um aus dieser Sackgasse herauszukommen? Er nahm eine doppelte und widersprüchliche Einstellung zum Leben an: Er versuchte, den Anthropozentrismus der Renaissance mit dem mittelalterlichen/gegenreformistischen Theozentrismus in Einklang zu bringen. Diese Suche nach existenzieller Synthese entspricht dem Fusionismus oder Hybridismus, einem Grundmerkmal der Barockkunst.

So wurde er zu einem „amphibischen“ Wesen: Er versuchte, die materiellen Freuden des vergänglichen irdischen Lebens zu genießen (das Thema des horatischen „carpe diem“, „den Tag intensiv nutzen“), und näherte sich gleichzeitig der Kirche, um sicherzustellen, dass dies der Fall ist das ewige Glück. Um dies zu erreichen, verspürte er das Bedürfnis, mit Gott zu sprechen, denn „der Heilige kann nur durch den Menschen entstehen“, wie Pater Antônio Vieira, der repräsentativste Schriftsteller des Barock in portugiesischer Sprache, meinte.

Dieses Dilemma, dieses permanente Gefühl des Zweifels, der Unsicherheit und des Zögerns zeigt sich beispielsweise im folgenden Sonett:

„Wahnvorstellungen der Natur“

Irgendwann bin ich sehr glücklich, und ich bin traurig,
Ich weine und ich lache, ich wage es und ich fürchte mich, ich lebe und ich sterbe,
Ich falle und schreie, ich denke nach und widerspreche nicht,
Ich gehe und bleibe, ich gehe nicht und verabschiede mich.

Wenn ich mich an mich erinnere, vergesse ich mich selbst
Jetzt renne ich weg, jetzt drehe ich mich um, ich bleibe stehen und renne,
Schon gebunden, schon locker, befestigt und gefüttert,
Luchs und Blinde, ich ignoriere mich selbst und ich kenne mich selbst.

Ich glaube an mich selbst und ich verleugne mich selbst
Ich selbst verschlimmere das Übel und bitte um Heilung
Ich selbst tröste mich und ärgere mich über mich selbst.

Wisse daher, jedes menschliche Geschöpf,
Dass, um diesem Labyrinth zu entkommen,
Du musst den Händen der Schönheit entkommen.

(Francisco de Pina e Melo, Rimas, 1. Teil, 1725)

Romantik

Romantik ist die Kunst der Träume und Fantasie. Es schätzt die kreativen Kräfte des Einzelnen und die Vorstellungskraft des Volkes. Sie steht im Gegensatz zur ausgewogenen Kunst der Klassiker und basiert auf der flüchtigen Inspiration der starken Momente des subjektiven Lebens: im Glauben, in Träumen, in Leidenschaft, in Intuition, in Sehnsucht, im Gefühl der Natur und in der Kraft von nationale Legenden.

Historisch-literarisches Panorama

Die Kunst der Romantik dominiert die erste Hälfte des Jahrhunderts. XIX, entstanden am Ende des Jahrhunderts. XVIII, in Deutschland und England. Der Ort der weltweiten Verbreitung war Frankreich zu Beginn des 19. Jahrhunderts.

Die romantische Bewegung entstand als Opposition zum rationalen Geist der Klassiker (Gleichgewicht, Perfektion, Klarheit, Harmonie, Disziplin) und als Ausdrucksmittel für das Bürgertum, das seine Macht mit dem politischen Erfolg der Französischen Revolution (1789) definiert und mit dem wirtschaftlichen Prestige der Industriellen Revolution (1760). Die romantische Literatur drückt den Wunsch nach Freiheit dieser neuen Klasse aus und ist dann euphorisch über den jüngsten Sieg über den dekadenten Adel. Sie basiert auf Fantasie und Sentimentalismus, die die Normen und Modelle der klassischen Literatur, die mit dem Ancien Regime verbunden sind, missachten. Das Ergebnis ist eine ungestüme Literatur, die auf einer einnehmenden und warmen Art von Phrasen basiert und den Erwartungen der Bevölkerung sehr nahe kommt.

Victor Hugo fasste die romantische Rebellion zusammen, als er 1827 im Vorwort zu seinem berühmten Theaterstück Cromwel sagte: „Lasst uns den Hammer in Theorien, Poetik und Systeme stecken (…) Keine Regeln oder Modelle.“ Von da an wurde keine Literatur mehr für die aristokratischen Salons des Adels in Form von Büchern, Zeitungen und Zeitschriften in großer Auflage produziert. Die Leserschaft wurde dann zum Bankier, zum Geschäftsmann, zum Industriellen, zum Arzt, zum Lehrer, zum Anwalt, zum Studenten usw.

Die romantische Sensibilität

Romantik ist rebellisch und revolutionär. Seine Revolution stellt in der Literatur dar, was der Sturz des Ancien Regimes für die politische Entwicklung der Menschheit darstellte. Der literarische Geschmack des Ancien Regime entspricht im weitesten Sinne dem Klassizismus (Renaissance, Barock, Arkadismus), ebenso wie die Romantik zeitgenössische Sensibilität hervorbringt, die Realismus, Naturalismus, Impressionismus, Parnassianismus, Symbolismus und die verschiedenen Phasen des Modernismus umfasst. Die Hauptmerkmale der romantischen Literatur sind neben Rebellion und revolutionärem Geist: Individualismus, Nationalismus und Freiheit.

Individualismus

Individualismus ist gleichbedeutend mit Subjektivismus, Egoismus und Personalismus. Alle diese Worte weisen auf den Selbstkult hin. Es bedeutet lediglich, dass der Romantiker auf freie und fast direkte Weise persönliche und intime Erfahrungen zum Ausdruck bringt: Liebe, Zweifel, Wünsche, Wahnvorstellungen, Sehnsüchte, Ängste und Leidenschaften. So kann romantische Kunst sowohl euphorisch, mit Explosionen von Begeisterung und Optimismus, als auch melancholisch, mit einer Krise aus Depression und Pessimismus, sein.

Nationalismus

Der romantische Künstler schätzt Volkstraditionen, Folklore und die Geschichte seiner Heimat. Er liebt das Malerische, das Exotische und das Lokalkolorit der Heimat oder Region, in der er aufgewachsen ist. Daher gibt es in Brasilien den Naturkult (Naturismus): heldenhafte Indianer, Urwälder, Flüsse, Mythen und Stammeskriege. In Europa richtete sich die Aufmerksamkeit der Künstler mehr auf mittelalterliche Legenden (Mittelalterismus), die das Leben in Burgen und Kriege zwischen Christen und Arabern beinhalteten. Sie stellen nicht nur Aspekte des Mittelalters dar, sondern können auch als Folge des Wunsches nach Ausweichmanövern bzw. Eskapismus, also dem Wunsch, der unmittelbaren Realität zu entfliehen, verstanden werden.

Freiheit

Romantische Freiheit hat technische und thematische Konsequenzen. Aus technischer Sicht manifestiert sich Freiheit im Bruch mit den starren Normen der klassischen Komposition: Es entstehen neue Rhythmen, neue metrische Kombinationen, neue Genres und neue poetische Formen. Im Theater entsteht Drama, eine Deformierung der klassischen Tragödie. Anstelle des klassischen Sonetts wird eine offene und freie Form der Poesie namens Gedicht bevorzugt, die entweder lyrisch oder episch sein kann.

In der Erzählung wird die Romantik gefestigt, eine lange Abenteuer- oder Liebesgeschichte, die bürgerliche Situationen oder Werte beinhaltet. Auch die Seifenoper (eine Erzählung, die kürzer als ein Roman ist) und die Short Story (eine Erzählung, die kürzer als eine Seifenoper ist) kommen in Mode. Aus thematischer Sicht intensiviert die romantische Freiheit den Einsatz von Vorstellungskraft, Träumen, Idealen und Fantasien. So entstehen makabre Szenarien mit Friedhöfen, Gespenstern und nachtaktiven Vögeln.

Der romantische Stil

Romantische Künstler integrierten das Gefühl der Natur in ihren literarischen Stil, das heißt, sie begannen, Bedeutungen und Gefühle in der Landschaft zu erkennen, die ihnen tatsächlich gehörte. Diese Projektion des Themas auf die Natur beeinflusst den Stil der romantischen Literatur, die die Farben, Klänge, Rhythmen, Gerüche und Linien der Landschaft nachahmt. Vor allem in Brasilien lassen sich Schriftsteller auch von der natürlichen Sprache des Landes, dem Tupi-Guarani, beeinflussen.

Neben Anregungen aus der Fauna, Flora und den Urbewohnern unserer Wälder beeinflusste auch die Sprache urbaner Zentren und verschiedener Regionen des Landes maßgeblich den literarischen Stil der brasilianischen Romantik. Dieser Druck der gesprochenen Sprache auf die geschriebene Sprache wird als sprachlicher Brasilianismus bezeichnet. Am Ende schuf er sein eigenes System der Pronominalplatzierung, das sich von dem portugiesischen unterscheidet, und prägte auch einen Rhythmus ein, der spezifisch für die brasilianische Syntax ist und unserem Empfinden viel näher kommt.

Im Allgemeinen gibt es in einem romanischen Satz mehr Gefühl als ästhetische Organisation, das heißt, es wird darin beobachtet, dass die emotionale Funktion der Sprache überwiegt. Das heißt, die erste grammatikalische Person übertrifft die anderen, mit einer intensiven Wiederholung von Interjektionen, Ausrufen und Auslassungspunkten.